Recettes traditionnelles

L'équipe Yardbird aime l'énergie de Brooklyn pour l'expansion du restaurant

L'équipe Yardbird aime l'énergie de Brooklyn pour l'expansion du restaurant

Le chef Jeff McInnis a fait un sacré tour au cours des deux dernières années. L'année dernière, lors du South Beach Wine & Food Festival, une grande partie du buzz sur Twitter des médias culinaires, des festivaliers, des initiés et des professionnels de la restauration était autour le sien restaurant relativement nouveau Yardbird. L'année suivante a été synonyme de plus de buzz et, récemment, d'informations concernant une expansion de son menu du sud au-delà des frontières de la Floride. C'est vrai, il est à destination de New York (preuve qu'on peut aller encore plus au nord pour trouver le Sud ?). Il ne devrait donc pas être surprenant que McInnis participe au festival de cette année (du 21 au 24 février).

Dans cette entrevue avec le chef McInnis et le propriétaire du Yardbird, John Kunkel (fondateur de 50 oeufs) en avant-première du festival (dans le cadre d'une série d'entretiens menant à l'événement), le chef et le propriétaire expliquent comment les choses ont changé (ou n'ont pas changé) au cours de la dernière année, ce que le chef McInnis va cuisiner au Chicken Coup du festival événement cette année, les origines de la recette de poulet frit de Yardbird (elle a 100 ans), pourquoi Brooklyn pour l'expansion de Yardbird, et où d'autre il serait intéressé par l'ouverture d'un restaurant. Continuez à lire et regardez cette vidéo récente avec le chef pour en savoir plus sur Yardbird.

Vous participez au Chicken Coupe d'Andrew Carmellini. Envisagez-vous de cuisiner votre poulet et vos gaufres signature? Si oui, faites-vous quelque chose de différent avec ? Et sinon, qu'est-ce que tu fais ?
Jeff McInnis : Pour Chicken Coup, nous préparons nos biscuits au poulet Mama’s, faits de biscuits au babeurre feuilletés, de poulet croustillant, de gelée de poivre et de radis pastèque mariné.

L'année dernière, votre restaurant était l'un des chouchous du festival, l'un des spots dont on faisait le plus parler. Comment c'était ?
JM : C'était une super expérience. Nous avons pu cuisiner au restaurant pour de nombreux chefs et visiteurs venus en ville pour le festival, et les retours ont été formidables.

Et comment les choses ont-elles changé au cours de l'année écoulée ?
JM : Nous n'avons pas changé. Nous avons apporté quelques légères modifications à notre menu - dont beaucoup sont de saison - mais nous sommes toujours les mêmes et nous continuons à nous battre. Nos principes fondamentaux n'ont pas changé.

Qu'est-ce que vous attendez le plus du festival?
JM : J'ai hâte de revoir de vieux amis chefs que je n'ai pas vus depuis un moment.

L'année dernière, lors de notre visite, la nourriture était vraiment agréable, mais nous avons été vraiment époustouflés par le service, la gentillesse et votre touche personnelle. Pouvez-vous nous parler un peu de la philosophie derrière Yardbird en tant que restaurant dans son ensemble et de ce que vous avez essayé d'accomplir avec ?
JM : Nous prêchons l'évangile de la bonne vieille hospitalité du Sud dans tout ce que nous faisons. De la nourriture au service, nous veillons à ce que personne ne parte sans vivre des expériences mémorables et uniques.

Quels sont les trois endroits à Miami, boue ou opéra, sandwich ou menu dégustation à six plats, qui vous passionnent le plus en ce moment ?
JM : Khong River House, qui vient d'ouvrir le mois dernier ; Shaker brisé, qui est un cocktail lounge en plein air branché; et salle de jeux à l'hôtel Gale.

Les gens disent souvent de la Floride qu'il faut aller au nord pour aller au sud. Qu'est-ce que tu dis à ça ?
JM : Outre Yardbird et le Swine Southern Table & Bar, qui ouvrira bientôt ses portes, il n'y a pas beaucoup de restaurants ou de gens d'inspiration méridionale dans la région.

Quel est le secret d'un bon poulet frit ?
JM : Un bon oiseau de plein air juteux, de l'huile chaude, beaucoup d'épices et la bonne quantité de saumure.

De quel poulet frit avez-vous modelé le vôtre si c'est le cas ? Et les gaufres... quelle a été l'inspiration pour cette recette ?
JM : Nous avons fait beaucoup de tests pour l'ouverture de Yardbird. Et après tout, nous avons décidé d'une recette centenaire qui appartenait à la grand-mère de mon partenaire John Kunkel. C'est une vieille recette qui a résisté à l'épreuve du temps.

Grub Street a signalé que vous cherchiez à ouvrir un restaurant à New York et que vous avez visité Park Slope et que vous aimez ce quartier. Qu'est-ce qui vous attire dans Park Slope et Brooklyn ?
John Kunkel : Bien que Park Slope soit intéressant et agréable à vivre, nous gardons nos options ouvertes et cherchons dans la ville de New York le bon espace. Nous ne sommes cependant pas pressés.

C'est intéressant que vous cherchiez à passer directement à côté de Manhattan et directement à Brooklyn... pourquoi Brooklyn ? Est-ce que Manhattan est tout simplement trop ou Brooklyn est-il vraiment beaucoup plus attrayant ?
JK : Rien n'est encore gravé dans le marbre et nous gardons certainement toutes nos options ouvertes, mais Brooklyn a une grande énergie et enthousiasme à ce sujet.

Certes, vous ne regardez probablement pas au-delà de New York, mais si vous ne cherchiez pas à ouvrir un restaurant à New York (ou Brooklyn), quelle autre ville vous intéresserait le plus ?
JK : La ville de New York semble être la solution idéale pour Yardbird, mais il existe d'autres grandes villes « alimentaires », telles que Chicago, qui sont également attrayantes.

Y a-t-il une autre cuisine ou concept que vous seriez vraiment intéressé à explorer en tant que concept de restaurant ?
JM : Eh bien, il y a peu de cuisines qui ne m'intriguent pas. J'aime toujours explorer différentes cuisines régionales.

Arthur Bovino est le rédacteur en chef du Daily Meal. Lire d'autres articles d'Arthur, le joindre par mail, ou cliquez ici pour suivez Arthur sur Twitter.


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CookUnity obtient un financement de série A de 15,5 millions de dollars

NEW YORK, 13 janvier 2021 /PRNewswire/ -- CookUnity, la société de technologie alimentaire basée à Brooklyn qui a introduit la première plate-forme d'abonnement direct aux repas du chef au consommateur, a annoncé aujourd'hui la clôture d'un tour d'investissement de série A de 15,5 millions de dollars.

Fuel Venture Capital a dirigé le cycle d'investissement avec la participation d'investisseurs nouveaux et existants, y compris IDC Ventures. Jeff Ransdell, associé fondateur et directeur général de Fuel Venture Capital, rejoindra le conseil d'administration.

Ce financement porte le capital total levé par l'entreprise depuis la création de la plateforme en 2018 à 23 millions de dollars. Cela permettra à CookUnity de s'étendre à travers l'Amérique du Nord et d'étendre ses initiatives de marketing. CookUnity ouvrira également deux nouvelles cuisines ultramodernes à Los Angeles, en Californie et au Texas, en plus de la cuisine d'origine à Brooklyn, NY, pour soutenir l'expansion nationale.

CookUnity a bouleversé la catégorie des plats préparés et l'industrie de la restauration en créant un tout nouveau concept de marché pour les chefs et une solution de repas quotidienne et dynamique pour les consommateurs. Le modèle unique offre aux chefs en devenir, aux côtés de restaurateurs établis et d'innovateurs alimentaires, les outils et les ressources pour se diversifier et créer une entreprise axée sur le numérique. Avec CookUnity, les chefs génèrent une nouvelle source de revenus plus prévisible avec un risque plus faible et des marges plus élevées et sont en mesure d'atteindre les consommateurs au-delà des contraintes géographiques d'un restaurant ou d'une zone de livraison.

Grâce à un abonnement hebdomadaire, les consommateurs choisissent parmi plus de 300 repas préparés à la main par des chefs talentueux, adaptés pour satisfaire différents palais et préférences alimentaires. À partir de 10,49 $/repas, CookUnity offre aux consommateurs un moyen sans effort de découvrir des repas de qualité restaurant entièrement préparés dans le confort et la commodité de leur foyer, tous les jours.

"Nous envisageons un monde où les chefs ne sont plus contraints par le capital, la capacité et les limites géographiques d'un restaurant", a déclaré Mateo Marietti, fondateur et PDG de CookUnity. "La société a connu une croissance incroyable depuis 2018, et notre récent financement témoigne de la confiance et de la demande du marché pour cette nouvelle catégorie. Nous voulons remettre les chefs au centre de l'univers de la cuisine et répondre à la demande d'une expérience culinaire à domicile élevée. Au cours des 18 prochains mois, nous prévoyons d'élargir rapidement notre bassin de talents de chefs et de contribuer à ce que nous considérons comme l'avenir de l'alimentation."

Le financement de série A s'appuie sur une année exceptionnelle pour CookUnity qui a connu une croissance rapide de ses abonnés hebdomadaires et une croissance en glissement annuel de plus de 450% depuis janvier 2020 . En outre, CookUnity a intégré 12 nouveaux chefs l'année dernière, dont Jean-Georges Vongerichten, Einat Admony, Esther Choi, Marc Forgione et d'autres, portant le total actuel à 32. CookUnity projette d'augmenter son impressionnante liste de chefs à plus de 150 dans tous les pays. trois cuisines d'ici la mi-2022.

L'ouverture de deux nouveaux emplacements de cuisine permettra l'intégration de nombreux autres chefs et restaurateurs talentueux, indépendants et acclamés. Cette expansion offrira une chance aux chefs locaux de tout le pays de mettre en valeur leurs talents dans leurs régions et d'atteindre les consommateurs à l'échelle nationale. Contrairement à tout autre service, les chefs CookUnity et leurs équipes créent et préparent chaque plat afin qu'à chaque repas, les consommateurs découvrent des ingrédients de qualité sélectionnés à la main par chaque chef et des recettes sélectionnées qui présentent l'approche culinaire unique des chefs.

"Je suis honoré d'accompagner le voyage alors que l'équipe CookUnity travaille ensemble pour soutenir les chefs talentueux et démocratiser l'accès à des aliments de haute qualité, à la demande, pour les consommateurs avides et passionnés", a déclaré Jeff Ransdell, directeur général de Fuel Venture Capital. "Sa plate-forme Chef-à-Consommateur apporte exactement le genre de force innovante et créative dont l'industrie hôtelière assiégée de notre pays et les esprits talentueux derrière elle ont besoin aujourd'hui. J'ai hâte de soutenir CookUnity alors qu'il continue de se développer et de connecter plus de chefs à des personnes passionnées par la nourriture qu'ils mangent.

CookUnity s'est avéré être un sauveur pour les chefs tout au long de la pandémie de COVID-19 alors que le monde des restaurants et des chefs continue d'être bouleversé. Ces changements soudains ont démontré plus que jamais l'importance du modèle direct chef-consommateur de CookUnity. Esther Choi, chef/propriétaire de Mŏkbar, est l'un des nombreux chefs qui attribuent à CookUnity la possibilité de réembaucher des membres de l'équipe grâce aux revenus générés par la plate-forme CookUnity.

"Au cours de la dernière année, la pandémie de COVID-19 a accéléré la nécessité pour les chefs de se diversifier et a obligé les consommateurs à trouver de nouvelles façons d'accéder à des repas frais et élevés à savourer à la maison. CookUnity m'a permis de réembaucher des membres précieux de l'équipe et d'étendre ma portée au-delà des contraintes physiques de notre restaurant », déclare Esther Choi.

CookUnity est la première plate-forme chef-consommateur, mettant en relation un groupe diversifié de chefs talentueux et des gastronomes pour créer une expérience culinaire à domicile élevée. Un menu robuste et en constante évolution de plus de 300 repas représente le travail artisanal de plus de 30 chefs talentueux axés sur la saveur et la technique culinaire axées sur les ingrédients. Grâce à un abonnement hebdomadaire, les consommateurs peuvent choisir parmi une large gamme de plats entièrement préparés qui contiennent des protéines de source durable et des produits de saison. Croyant qu'une alimentation saine alimente des communautés plus fortes, CookUnity contribue à un partenariat et à un don continus avec la Food Bank For New York City, la principale organisation de lutte contre la faim de la ville qui œuvre pour mettre fin à la pauvreté alimentaire dans les cinq arrondissements. Pour plus d'informations, visitez www.cookunity.com.

À propos de Fuel Venture Capital

Fuel Venture Capital s'engage à propulser des idées révolutionnaires dans des entreprises qui changent le monde et à démocratiser l'accès à l'économie créative pour façonner l'avenir de la société. L'approche "axée sur le fondateur et axée sur les investisseurs" de la société est dirigée par une équipe de base avec plus de 60 ans d'expérience combinée dans la banque d'investissement, la gestion de patrimoine, le leadership exécutif et l'entrepreneuriat. Le fonds dispose d'un portefeuille de plus de 20 sociétés basées dans le monde entier dans de nombreux secteurs, apportant un impact positif à pratiquement tous les coins de notre économie moderne. Pour en savoir plus sur Fuel VC, visitez fuelventurecapital.com ou suivez Fuel VC sur les réseaux sociaux via Twitter, Instagram, LinkedIn, et Facebook.

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Comment Alvin Zhou, 23 ans, équilibre les données et la connexion chez BuzzFeed's Tasty

Alvin Zhou, 23 ans, a appris à cuisiner sur haut-parleur. Quand il était au lycée, sa mère est allée en Chine pour s'occuper de son grand-père maintenant en bonne santé pendant quelques mois. Le plan de son père était de se fier aux plats à emporter et aux surgelés. Cela n'allait pas voler pour le jeune de 15 ans, alors il a décidé d'apprendre à cuisiner. Il appelait sa mère de l'épicerie alors qu'il rassemblait des ingrédients après l'école, puis la mettait sur haut-parleur pendant qu'il apprenait à couper et à faire sauter, apprenant les compétences nécessaires pour nourrir sa famille en son absence.

Aujourd'hui, en tant que producteur d'émissions à Tasty de Buzzfeed, Zhou enseigne à des millions de personnes comment cuisiner à travers des vidéos virales. En septembre 2018, les propriétés Tasty ont reçu dans le monde près de 1,5 milliard de vues sur Instagram, Facebook, Twitter et YouTube. Dans un paysage numérique concurrentiel, Tasty a été le pionnier d'un nouveau genre. Il représente également la source de revenus de Buzzfeed à la croissance la plus rapide, selon le New York Times.

Alvin Zhou ajuste les tartes pour une vidéo de Thanksgiving

Zhou fait partie de la marque depuis ses débuts. Après avoir déménagé à New York de la Bay Area pour étudier à l'Université de Columbia, il s'est tourné vers la pâtisserie pour se faire des amis. Il «empruntait» des fournitures comme du Nutella, du beurre de cacahuète et des Oreos à la salle à manger de l'école dans des tasses à café et ne se rendait jamais nulle part sans une friandise à partager.

Un camarade de dortoir a vu ses photos dans le groupe Facebook de l'immeuble où il a partagé ses créations et lui a offert un appareil photo professionnel qu'il n'utilisait pas. Zhou a commencé à faire des vidéos Youtube de ses aventures de pâtisserie. « Ceux-ci ne sont plus en ligne », m'assure-t-il.

Un diplômé de Columbia travaillant dans le marketing de la chaîne de yaourt glacé 16 Handles a vu ses vidéos et lui a demandé de créer de brefs clips vidéo montrant des tourbillons de yaourt et de nouvelles saveurs, qui ont été affichés dans chaque emplacement. Emily Fleischaker, rédactrice en chef de Buzzfeed Life, maintenant rédactrice culinaire au New York Times, était une fan de froyo et a demandé à une caissière qui a réalisé les vidéos. Zhou a toujours l'e-mail qu'elle lui a envoyé en juin 2015, lui demandant de venir à la cuisine d'essai de Buzzfeed à Chinatown pour tourner quelques vidéos.

Il a attrapé son appareil photo et a fait un plan. «Je savais [de la recherche sur Instagram] qu'Internet adorait le bacon, alors j'ai commencé à penser à tout ce que je pouvais faire avec ça. J'ai fait un taco au bacon, un fromage grillé au bacon, un sandwich à la crème glacée au bacon, c'était 7 plats utilisant du bacon.

La première vidéo a été publiée un vendredi et Zhou a annulé tous les plans « pour se rafraîchir chaque minute. J'avais des attentes très élevées pour une raison quelconque, car d'autres vidéos atteignaient 20 millions de vues. Il a atteint 500 000 vues, puis un million. J'étais comme, oh j'ai échoué. Il s'est endormi à 3h du matin et s'est réveillé pour voir que l'équipe de Buzzfeed Food avait posté une autre vidéo : le bacon tissage grilled cheese. En quelques heures, il comptait déjà 32 millions de vues. Buzzfeed l'a invité à revenir pour faire plus de vidéos. Une fois l'été terminé, il a continué à travailler essentiellement à temps plein, ne retournant sur le campus que pour faire ses devoirs avec des amis. Il était reconnaissant pour les « cours qui ne prenaient pas de place ».

À cette époque, Tasty a été lancée en tant que marque à partir du bureau de Buzzfeed à Los Angeles et en mars 2016, les vidéos de BuzzfeedFood sont devenues une partie de Tasty, avec Zhou comme le plus jeune producteur de la marque.

Zhou décrit le temps comme épuisant et comptait sur le soutien d'amis pour réussir les cours. Il était plus attiré par son travail chez Buzzfeed mais voulait obtenir un diplôme pour ses parents. Chaque été était un soulagement car il pouvait se concentrer pleinement sur Tasty, il avait plus d'énergie pour sortir manger, chercher l'inspiration et expérimenter de nouvelles façons de photographier. Il a abandonné avant d'obtenir son diplôme pour se consacrer à Tasty et peut-être avoir du temps libre.

Ses responsabilités se sont accrues, alors qu'il dirigeait l'équipe Facebook de Tasty, travaillant pour comprendre l'algorithme et repousser la longueur des vidéos de Tasty, en ajoutant du suspense et un sens à une histoire. Un succès, "une lasagne à 100 couches durait 3 minutes et 30 secondes mais les gens la regardaient parce qu'ils voulaient voir le produit final." Zhou est « personnellement obsédé par les chiffres et leur utilisation, et » à un moment donné [ils] ont pu prédire ce qu'une vidéo allait atteindre en une semaine simplement en regardant les 15 premières minutes sur la base d'algorithmes [ils avaient ] développé et testé [qu'ils] exécuteraient.

Tasty a dépassé les attentes les plus folles de Zhou et il a joué un rôle essentiel dans son expansion. L'équipe est encore petite, avec entre 20 et 25 producteurs à Los Angeles et à New York, et chaque producteur a le contrôle créatif total de leurs vidéos, du développement de la recette au tournage en passant par le stylisme. La cuisine, qui était pleine de tartes de Thanksgiving début octobre, n'a que trois petits fours et n'est en aucun cas spacieuse. En passant devant quelques panneaux vantant la portée de la marque, Zhou hoche la tête "le double" au nombre de vues et aux partages.

Zhou s'est rendu dans les bureaux internationaux de Buzzfeed pour aider six pays à lancer leurs propres produits Tasty. Dans chaque endroit, il a passé du temps à parler au personnel local de la culture alimentaire et de ce que les gens cuisinent généralement. Il ramène également d'autres idées et a considérablement intensifié son jeu de style après une visite à BuzzfeedJapan où il a réalisé la valeur de la présentation. Habillé avec élégance d'un pull sur un bouton, Zhou avoue : « J'avais l'habitude de porter des shorts et des t-shirts de basket-ball tous les jours, mais ensuite j'ai commencé à porter de vrais vêtements.

Dans le monde de l'alimentation, certaines choses sont universelles, comme le poulet et "une forme de nouilles", mais l'équipe cherche toujours à augmenter la diversité de Tasty. Il y a le nouveau programme Talent, qui propose une gamme de chefs et de créateurs professionnels et plus de contenu invité autour de mois comme le Mois de l'histoire des Noirs et le Mois du patrimoine hispanique. Zhou reconnaît qu'il reste encore du travail à faire à ce sujet et souhaite « partager une culture alimentaire inclusive, mondiale et diversifiée » avec son très large public.

Zhou chevauche deux aspects de la création de contenu numérique : il est obsédé par les données, pensant à chaque détail d'une vidéo et à la façon dont elle peut plaire à un public aussi large que possible. Mais il se soucie aussi profondément des histoires et de la façon dont elles sont racontées.

Il travaille maintenant sur des émissions, sur Youtube et d'autres plateformes, et est particulièrement enthousiasmé par les émissions plus longues axées sur un seul élément et sur la façon dont il est fabriqué. Celui du pain, coproduit avec Vaughn Vreeland, est la dernière obsession de Zhou. Le film, qui met en scène deux boulangers new-yorkais, a remporté un prix du public au Food Film Festival, un nouvel espace pour Tasty. Les commentaires sur les vidéos Tasty se comptent par milliers, et ceux qui font la journée de Zhou parlent du pouvoir de la connexion. "La nourriture est intrinsèquement sociale et mes commentaires préférés sont ceux où ils taguent un ami et disent" nous devrions faire cela ensemble. ""


NEW YORK, 4 janvier 2016 /PRNewswire/ -- Park Slope, le Carnem Prime Steakhouse de Brooklyn, s'est forgé la réputation d'être un choix fantastique pour un steak de haute qualité. Récemment, le restaurant a annoncé le chef C.J. a rejoint Carnem et a apporté avec lui de nouveaux éléments de menu qui incluent de nombreux choix passionnants de la ferme à la table pour compléter leurs steaks qui restent parmi les meilleurs de la région de New York. La réponse à la nouvelle a été enthousiaste.

"Nous sommes très heureux que le chef C.J rejoigne l'équipe ici à Carnem et qu'il dirige notre cuisine", a commenté Jacob Krumgalz, propriétaire de Carnem. "Cela va être excitant de voir comment le menu évolue et nous sommes sûrs que nos précieux clients adoreront ce que Chef C.J a à offrir. Il a été félicité pour ses recettes uniques comme le tartare de bœuf (flocon de saumon fumé / roche de sucre au fromage bleu / poire marinée), le risotto de chou-fleur (crevettes grillées / purée d'encre de seiche / flocons d'or de chou-fleur) et ceux-ci vont être incorporés dans notre menu, aux côtés de nos steaks de haute qualité, que nous proposons toujours, bien sûr."

Selon Krumgalz, le chef C.J a travaillé au Japon, en Australie, en France, à Hong Kong et aux États-Unis et a passé plus d'un an dans les restaurants suivants au cours des dernières années :

Le Bernardin, New York, NY (3 étoiles Michelin), Alain Ducasse à Essex house, New York, NY (3 étoiles Michelin), Guy Savoy au Caesars Palace, Las Vegas (2 étoiles Michelin), Alinea, Chicago, IL (3 étoile Michelin), L2o, Chicago, IL (3 étoiles Michelin)

Carnem Prime Steakhouse est situé au 318 5th Ave, Park Slope, Brooklyn.

Les avis des clients continuent d'être extrêmement positifs.

Rose C., de Brooklyn, a récemment déclaré : « Carnem est mon petit ami et mon endroit préféré pour déguster des steaks vraiment incroyables. Personnel sympathique dans un quartier agréable, c'est vraiment une soirée incroyable.


Un lundi pluvieux, Amin prend d'assaut Brooklyn Steel

L'énergie jaune vif d'Amin mélangée à une gratitude sans faille a transformé un concert en un sermon d'amour-propre créatif et magistral.

Amin se produit au Brooklyn Steel lundi. (Photo par Avani Jurakhan)

Par Avani Jurakhan, rédacteur en chef
29 novembre 2018

Banana badass Aminé a joué un set somptueusement intime après un long lundi sombre et pluvieux, livrant de superbes morceaux inspirés du hip-hop à une foule à guichets fermés à Brooklyn Steel.

Le lieu intime était très plein - mais confortablement respirant - alors que je me trouvais dans l'une des foules les plus amicales que j'aie jamais connues. Il n'y avait pas de bousculade accompagnée de "J'essaie juste d'atteindre mon ami!" ou des boissons renversées associées à des menaces passives-agressives. C'était parfaitement logique pour son concert.

Amin est sans aucun doute l'un des rappeurs contemporains les plus humbles et les plus affectueux. Cela a été souligné au tout début du spectacle. Le bon ami et homme de battage d'Amin, DJ Madison LST, a commencé le set en exhortant la foule à se déplacer et à être imprudemment dans l'instant.

Ensuite, le sourire éclatant de Ricky Thompson est apparu sur l'écran de scène et a prêché un discours classique de la marque ONEPOINTFIVE demandant à la foule de s'allumer et de se préparer pour la musique dope à venir. Thompson est l'un des futurs comédiens préférés d'Amin et raconte l'intégralité de son nouvel album avec des encouragements, de l'amour-propre et une pleine étreinte de la vie.

Cette puissante introduction n'a été renforcée que lorsque le rappeur très attendu a fait du jogging dans une coupe entièrement blanche avec une paupière peinte en rose vif. Sa première chanson était son morceau le plus vulnérable à ce jour, « DR. QUICONQUE." Amin a expliqué la chanson comme sa version d'une séance de thérapie. L'atmosphère immédiate de soutien était tangible alors que les enfants de toute la salle entonnaient les paroles poétiques d'Amin en parfaite synchronisation.

L'écran de scène du spectacle était à la fois l'aspect le plus magnétique du spectacle et le catalyseur le plus stable pour transformer un concert en l'intérieur de l'esprit néon du rappeur. Pendant les chansons "CHINGY", "BLACKJACK" et "Spice Girl", les célébrités respectives ont été collées dans des vidéos et des images passionnantes à travers l'écran. Thompson est retourné danser dans son style infâme et a prononcé un autre discours en guise d'entracte rapide.

Il y avait plusieurs phrases motivantes telles que "La vie trop courte, sourire n—a" et "Les rêves sont faciles à réaliser, croire que c'est la partie difficile" en lettres majuscules simples sur des arrière-plans clairs avec une subtile goutte numérique de miel ou de banane ici et là .

Le moment le plus affectueux et le plus mémorable de la nuit, cependant, a été lorsqu'un coucher de soleil cramoisi magnifiquement profond est apparu derrière Aminé et a lentement coulé autour d'un paquet de bananes au caramel. Le rappeur nous a ensuite incités à essayer d'oublier complètement le temps dégoûtant de New York et de prétendre que c'était le ciel actuel.

Tout au long de l'ensemble, il criait continuellement "Tu es belle!" dans lequel la foule a dû répondre par « Je sais ! avec autant de bonheur que nous le pouvions. Tout le monde a clairement apprécié le regain de confiance constant et un fan a même été choisi parmi la foule pour monter sur scène. Il avait une pancarte qui disait "I'M THE LATINO RICKEY THOMPSON LEMME TWERK 4 U" et même si nous n'avons pas pu voir de twerk, il a pu signer le pantalon d'Aminé.

Ses joggeurs étaient remplis à peu près au quart à ce stade et le rappeur a expliqué qu'il choisissait des fans pour simplement écrire un objectif ou une aspiration qu'ils avaient afin de collecter des souvenirs significatifs. Après que ce fan chanceux ait quitté la scène, A$AP Ferg est sorti pour surprendre la foule avec une performance de "Plain Jane". La foule de New York était plus que familière et plus que hype pour ce caméo. La nuit s'est terminée avec son banger "REEL IT IN" et il n'y avait pas un visage sans sourire dans la maison. La capacité d'Amin à exécuter un véritable spectacle tout en étant à la fois intouchable et incroyablement modeste est étrange.


Le restaurant KYU poursuit son expansion avec l'avant-poste de New York

Depuis 2016, KYU est un incontournable du quartier créatif et éclectique de Wynwood à Miami. Considéré comme l'un des meilleurs restaurants des États-Unis, le restaurant au feu de bois d'inspiration asiatique a reçu de nombreuses distinctions depuis sa création, notamment un demi-finaliste de la James Beard Foundation pour le meilleur nouveau restaurant en 2017 et le « meilleur restaurant de Floride » de TIME. . " Dans la foulée du succès du site de Miami et d'un deuxième avant-poste ouvert à Mexico à l'été 2020, KYU est prêt pour une expansion mondiale grâce à un nouveau partenariat avec la société britannique Reuben Brothers. Les Reubens, ainsi que les entrepreneurs et fondateurs de KYU Alan Omsky et Jordan Sayfie, prévoient d'étendre la marque KYU à travers l'Amérique et l'Europe, en commençant par New York.

"Nous sommes ravis de ce nouveau partenariat avec un groupe aussi prestigieux que les frères Reuben et de l'opportunité d'étendre KYU aux villes du monde entier", a déclaré Omsky. « Cela a été une période incroyablement difficile pour notre industrie, et nous sommes fiers de l'élan et de la trajectoire du restaurant, tout en restant fidèles à notre menu diversifié, à notre service professionnel mais détendu et à notre engagement envers les pratiques écologiques. »

La puissante équipe de direction de KYU, ainsi que de nombreux membres diligents passés et présents de l'équipe, resteront à bord et continueront à offrir le niveau de service renommé de KYU et un menu innovant et délicieux. En rejoignant l'équipe de direction en tant que directeur général, George Atterbury, qui dirigera la croissance et le développement de ces expansions, apporte un vaste portefeuille d'hôtels.

Le chef exécutif Raheem Sealey, anciennement de Zuma et Pao et qui a dirigé la cuisine de KYU au cours des trois dernières années, continuera à diriger tous les aspects culinaires de KYU, restant fidèle à ses méthodes japonaises originales de grillades au feu de bois yakiniku. Tous les plats emblématiques et les favoris de la foule resteront au menu, y compris le pot de pierre de riz frit thaïlandais avec crabe royal, les « extrémités brûlées » de magret de canard, la poitrine de bœuf wagyu, le chou-fleur rôti entier avec du fromage de chèvre et une vinaigrette aux herbes shishito, le tartare de thon croustillant, hamachi tranché et le populaire gâteau à la noix de coco. Sealey apportera également sa propre touche au menu et a l'intention de proposer des plats uniques et innovants dans son nouveau rôle. Originaire de Sainte-Croix, suivi d'années de formation dans certaines des meilleures cuisines de Miami, dont Michael's Genuine, le chef Sealey a rejoint KYU lors de son ouverture en février 2016 en tant que sous-chef et a rapidement été promu chef exécutif grâce à son dévouement, son travail acharné, et le talent, et continue d'être le fer de lance de l'innovation culinaire de KYU à ce jour.

Le menu propose une variété de spécialités de grillades, des produits locaux et des méthodes de cuisson au feu de bois « doux et lents ». Les assiettes sont conçues pour être simples et partageables, permettant un environnement social chaleureux. Le brunch du dimanche est également disponible, servant des plats comme du pain doré croustillant à la banane et au bourbon, des œufs bénédictins avec du crabe à carapace molle ou du porc croustillant, et un Kimchi Bloody Mary.

"Je suis plus qu'honoré de poursuivre mon voyage avec KYU en tant que chef exécutif", a déclaré Sealey. « J'ai hâte de partager KYU avec le reste du monde alors que l'extension commence à se déployer, en proposant des plats simples mais révolutionnaires et vraiment délicieux. »

Le programme de bar du KYU complète parfaitement le menu au feu de bois et d'inspiration asiatique, offrant une liste de cocktails soigneusement préparée avec des variations de cocktails classiques avec une touche asiatique intelligente. Les points forts incluent le Wynwood Mule, infusé de vodka, de bière au gingembre, d'amers et d'ananas fumé maison pendant trois heures, le Spicy Shiso Sour à base de tequila, de jus de concombre fraîchement pressé et de teinture de piment thaïlandais et le Raging Geisha, à base de double whisky japonais Toki vieilli, basilic thaï, concombres oblitérés et aneth frais.

Après une brève fermeture en raison de la pandémie de COVID-19, l'emplacement phare du restaurant à Miami a subi des rénovations mineures pour ajouter des sièges extérieurs couverts, en plus de sa terrasse extérieure, de sa salle à manger intérieure de 100 places et de son bar de huit places. Des barrières en plexiglas ont également été installées entre les tables et les sièges de bar pour offrir un environnement sûr aux invités. Lorsque les fondateurs de KYU ont ouvert pour la première fois le restaurant de 4 000 pieds carrés en 2016, leur pilier d'inspiration est venu du design wabi-sabi, une vision du monde japonaise qui embrasse et trouve la beauté dans l'imperfection et la profondeur dans la terre. Fidèle à l'endroit, les invités qui s'approchent de KYU sont accueillis par une entrée passionnante flanquée d'une peinture murale à gauche de l'artiste local 2ALAS dans leur style linéaire caractéristique et d'un mur végétal luxuriant à droite. L'équilibre de ces murs parallèles crée une transition appropriée de l'extérieur vers l'intérieur.

Une fois à l'intérieur du restaurant, les murs en micro-ciment faiblement éclairés offrent une pause par rapport aux couleurs vives et aux peintures murales animées de l'extérieur, et le bois récupéré et les touches personnelles ajoutent de la chaleur à l'espace autrement industriel. Reflétant la nature en duel de la peinture murale de l'entrée et du mur vivant, la cuisine et le bar se font face aux extrémités opposées du restaurant. La salle est divisée en trois sections - un bar, un restaurant et un salon - avec des unités en bois et en fer sur mesure. Dans l'esprit du wabi-sabi, ces unités utilisent du fer à l'échelle du moulin avec des soudures apparentes délibérément imparfaites, et les étagères incorporées sont remplies de livres de cuisine, de micro-herbes et de poteries chaleureuses qui invitent les clients à explorer et à interagir avec l'environnement.

Les touches finales dans les restaurants sont des exemples prolifiques de l'engagement de KYU à maximiser la durabilité environnementale mondiale, y compris l'approvisionnement alimentaire responsable et la plantation d'arbres pour compenser ceux utilisés par le barbecue au charbon de bois.


Hall de la flamme de Carla

Réfléchissant à la disparition de son établissement, Hall a déclaré en 2017, "La façon dont nous avons financé le restaurant est vraiment ce qui a finalement conduit à notre chute." Elle a externalisé l'entreprise via Kickstarter, ce qui a laissé un mauvais goût dans la bouche de beaucoup de gens. Les gens la connaissaient comme une célébrité à succès, mais ne savaient pas combien de temps et d'argent devaient être investis dans un restaurant. « Donc, nous avons eu tous ces gens qui nous ont demandé en gros : « Quoi de neuf ? Est-ce que vous volez notre argent ? » », se souvient Hall.

Hall was also hamstrung by her ABC contract, which imposed restrictions on self-promotion. That meant not mentioning her restaurant on TV or social media as much as she otherwise could have and apparently needed to. Plus, because she was so well-known, her restaurant team emphasized avenues of expansion rather than ensuring the first restaurant was strong enough to prosper.

Unfortunately, setbacks abounded. An electrical fire combined with other problems put Carla Hall's Southern Kitchen out of commission for a month, per Mangeur. Afterward, the general manager jumped ship, which promptly began sinking. "From that point on, things just started to go downhill," Hall said. She received a harsh lesson in the importance of experience, realizing that even an avid dancer can't just waltz into the restaurant world and conquer it. But she also recognized failure as a step toward success, declaring, "Don't count me out just yet. I've learned some lessons, and you better believe I won't make the same mistakes twice."


ARCHITECTURE VIEW A Japanese Master Debuts On Two Coasts

It is clearly Arata Isozaki's season. The Japanese architect's Museum of Contemporary Art in Los Angeles, among the most eagerly awaited buildings in the United States, opens Dec. 10. And earlier this month, , as if to add to the mounting excitement, the Brooklyn Museum announced that it had hired the team of Mr. Isozaki and James Stewart Polshek & Partners to design a renovation and major expansion of its landmark Beaux-Arts building.

If the Brooklyn building moves ahead, it will mean that Mr. Isozaki - who at this point is arguably Japan's greatest architect and an increasingly important figure on the international architectural scene - will become one of the most conspicuous designers of museums in the United States, with a major new museum on both coasts. The ambitious Brooklyn project is expected to cost roughly $200 million, which the museum has yet to raise, and it must also win the approval of the New York City Landmarks Preservation Commission.

Until now, Mr. Isozaki's reputation in the United States has been based mainly on his work in Japan and on his elegant and widely reproduced drawings. He has only one completed project in this country, which is not a full building but an interior renovation, the Palladium nightclub in New York, which opened in 1985.

The opening later this fall of the Museum of Contemporary Art in downtown Los Angeles will mean that Americans will at last be able to see a real Isozaki building, and that is something quite different from a drawing or even from so dramatic an interior as the Palladium. Mr. Isozaki's architecture is based on groups of simple, basic geometric forms, which he places with a delicate, sculptural precision. His buildings have a powerful, brooding presence to them, something American architecture has not seen in quite this way since the work of Louis Kahn.

Unlike Kahn's buildings, however, Mr. Isozaki's buildings generally have no single major element. They are compositions or assemblages, Japanese gardens constructed at monumental scale. Mr. Isozaki's is an architecture that thrusts aside the shopworn debate between modernism and postmodernism, for it is both modern and postmodern -modern in its reliance on strong, self-assured abstraction, postmodern in the degree to which it feels connected to the larger stream of history. While Mr. Isozaki rarely reproduces elements from the architecture of the past literally, he is clearly seeking inspiration from them.

The Los Angeles building, it should be stated at the outset, is an important event in American architecture more than it is a great museum building. It is sympathetic to the art that is being displayed within it, but its gallery spaces are somewhat uneven in quality, and the experience of walking through them is not one of unbridled joy. Approaching the building brings more pleasure than seeing art inside it - its great barrel-vaulted library, which leaps over the entrance to become the top of a formal gateway, and the series of glass pyramids that light the galleries give the museum a spectacular profile the rich, deep red Indian sandstone sheathing gives these shapes a deeply sensuous air.

The letdown comes as one moves closer, and here some history is in order. MOCA was formed by a group of prominent southern California collectors in 1979, and its fate was quickly tied in with that of an immense and still incomplete real estate development called California Plaza. California Plaza's developers were able to strike a deal with the city of Los Angeles to provide a building for this new museum as a means of fulfilling a city requirement that a certain portion of the budget of any new building be used for art. As part of the deal that put the museum on California Plaza's land, MOCA's board agreed to have its building meet certain restrictions set out by California Plaza's architect, Arthur Ericson.

California Plaza's requirements were that pedestrian access to the center of the larger project's site be maintained through the middle of the museum's property, and that in turn necessitated that the museum building at street level be broken into two sections, one on either side of a central plaza. Mr. Isozaki and the museum's board, however, felt strongly that all of the gallery space should be on one level, and the only way to fulfill both requirements - that the public be able to walk at street level through the middle of the project and that the galleries all be on one floor - was to place the galleries below street level, so that they could run uninterrupted from one side of the plaza to the other.

Breaking the museum into two above-street-level sections, which are united underground, does not make that much of a difference esthetically: as pure architecture, MOCA is a powerful formal composition, perhaps more interesting for the void at its center. The problem is more that all of this forces the visitor to enter the museum by descending, and there is something disquieting about going down rather than up to enter a building that aspires to a certain monumental presence. It feels a bit like going into a basement to view art, even if the basement is as grandly conceived and as handsomely detailed as this one.

The presence of a prissy and mediocre pedestrian promenade that is part of the California Plaza design, just behind the museum's own Isozaki-designed plaza, doesn't help matters, either. Neither do the slabs of housing for the elderly that are behind the new museum and, for the time being, give it an exceptionally banal backdrop. They will disappear when the space between them and the museum is filled in by the continued march of California Plaza's skyscrapers -ironically, while Mr. Ericson's designs are undistinguished, the arrival of more of them will actually improve matters. A curious thing about the Isozaki building is that it while it would not look bad if it were entirely alone and isolated, it is a real urban building (rare enough in Los Angeles!) and feels much better when it is tightly enclosed by other buildings. It doesn't do well with the kind of ambiguous surroundings it now has, in which the surrounding city is conspicuous enough to be noticeable, but not close enough to properly define the space around it.

On the other hand, the exterior of the building is exquisitely crafted. The deep red sandstone, wisely left in a rough finish, becomes even more sensual the closer we are to it the other materials, which include some glass block, some walls of dark green enamel with a crosshatching pattern of pink lines and stainless steel sign panels by Chermayeff & Geismar, play off against the sandstone with just the right amount of contrast. The mix of pink and green in the metal side walls is much less frivolous than it sounds like much of Mr. Isozaki's work, it represents an exquisite balance between the exuberant and the disciplined, between the spirited and the formal.

The visitor heading for the galleries moves from the sidewalk right down into the sunken plaza, and from there into the main lobby, whose walls are covered mainly in a crisp, sleek white crystallized glass. There is a formal, ordered procession through the galleries, beginning at the lobby and eventually returning to it it is a long and slightly tortured route, however, for it involves a long passageway between the north wing and the south, and a couple of confusing intersections.

The galleries themselves are striking, and show great respect for contemporary art -we do not have here an architecture that takes an aggressive stance toward art as at, say, the Guggenheim Museum. But several of these spaces are not quite right, either, despite the good intentions. In some cases, such as in the large galleries at the north and south ends of the building, the rooms are simply too big, and work only with temporary walls set into their midst. (Mr. Isozaki himself designed the installation for the opening exhibition, however, and the pattern of walls dividing the space is so good that one almost wishes it could be permanent.) In other cases, such as the gallery that for the opening exhibition is hung entirely with paintings by Mark Rothko, the problem is not size but the pair of pyramidal skylights. They create a highly uncomfortable sense that the space has been divided in two (though it has not), and the line between the pyramids seems to bear down on us, like a knife slicing into the space.

If the pyramidal skylights cause a problem in this gallery, however, they make another room rise to real architectural greatness. The finest gallery is a room 45 feet square, its ceiling converging to a single, immense pyramid with a skylight in the center. The room is 45 feet high at its highest point, so the space feels like a cube whose upper section has been sliced away it is light, bright, high and strong, and the single pyramid seems to focus energy and enliven the art without in any sense competing with it. The walls contain paintings by Franz Kline, and sculptures of David Smith are in the middle of the room they are powerful works, and the power of this space, rather than upstaging that of the art, seems only to enrich it. This room alone is worth a visit to the museum - it is the place in which the dialogue between art and architecture becomes truly eloquent.

There are other fine moments here, though none as sublime. The system of long, gabled skylights in the large south gallery, which calls to mind the light monitors on the roofs of 19th-century industrial buildings, is beautiful, and creates a lovely, even, soft light. It makes one regret all the more that the space here is something like a basketball court. The auditorium, lined in raw concrete with perforated stainless steel panels on the wall, makes one think once again of Louis Kahn, as does the barrel-vaulted library at the top of the building not since Kahn has any architect brought out of rough materials such utter grace.

On balance, then, the great moments here are architectural, not museological: the forms, the spaces, the materials. MOCA is greater as a building than as a museum, but it is important to repeat that the problems are not the simple ones of architecture upstaging art. Indeed, in some cases the galleries are not too insistent as works of architecture, but too neutral, too undefined. The failings here are not those of a museum trumped by its architect - they are more those of a situation whose complexity of program made certain compromises inevitable.

There can be no question, however, that the six-year effort to bring this building to completion - which involved not only local politics but at one point provoked a bitter split within the museum's board, between supporters and detractors of Mr. Isozaki - has been worth it. Under its founding director, Pontus Hulten, and its current director, Richard Koshalek, who was orginally Mr. Hulten's deputy, MOCA even before its opening was firmly established in the front rank of museums of modern art in this country. Its original exhibition space, a converted garage by Frank Gehry that will continue to be used as an annex, is spectacular its holdings, with the magnificent Panza collection of postwar art as their centerpiece, are distinguished. The Museum of Contemporary Art now owns a building of compelling architectural presence, and that can only add to the growing significance of this six-year-old and welcome institution.

And now, Mr. Isozaki will head to Brooklyn. That is an altogether different situation, not a new institution but an old one, and not a brand-new building but a renovation and addition. But if the Brooklyn Museum is able to pull together the roughly $200 million that building the Isozaki and Polshek plan will take, it will bring to New York what may well be its most important museum structure since the Guggenheim.

The Brooklyn Museum is now housed in a Beaux-Arts building designed by McKim, Mead & White that was never completed and was badly mutilated in the 1930's by the removal of its great front staircase. Had all of McKim, Mead & White's design been built, the Brooklyn Museum would have been far grander than the Metropolitan. Mr. Isozaki and Mr. Polshek's proposal, which was the winner in an ambitious and well-executed architectural competition the museum sponsored earlier this year, begins with the premise that the McKim, Mead & White sections should be restored to their original appearance, including the reconstruction of the great, formal staircase.

Several competitors proposed expanding the museum in a classical style similar to McKim, Mead & White's, an understandable response in this age of renewed sympathy for the architecture of historical revival. Mr. Isozaki and Mr. Polshek's design, however, does not extend the Beaux-Arts classicism of the original building in a literal way, yet neither does it break away dramatically into modernism.

What the architects have done - and the look of this design suggests that Mr. Isozaki played the major role in designing the expansion wings, as Mr. Polshek probably did in the renovation of the older building - is something much more subtle than either literal classicism or orthodox modernism. The design, like that of MOCA, consists of a series of geometric forms, juxtaposed in a careful, rhythmic composition. It alludes to classicism, but only rarely employs classical elements directly.

The centerpiece of the addition, and the new centerpiece of the museum itself, would be a 150-foot high obelisk, sheathed in limestone. It would have several purposes, both actual and symbolic - it would give the museum a presence on the skyline, it would symbolize the Egyptian collection that is one of the Brooklyn Museum's treasures, and as the interior focal point of the entire building it would evoke the massive central dome that was one of the never-executed sections of the McKim, Mead & White design.

Beneath the obelisk would be one of Mr. Isozaki's characteristic barrel vaults, or half-cylinders, supported on two pairs of columns these would create a formal gateway to the rear, which would serve as the museum's secondary front. Like the formal elements of MOCA, the shapes that have been put together here are not random at all they lack simple symmetries, but they have a deeply convincing order of their own.

Indeed, the layout of the new wings, if complex, is particularly impressive, for it subtly shifts from the original axis created by McKim, Mead & White to a new one that will relate the museum to the Brooklyn Botanic Garden that is adjacent. A new restaurant would be built in a southeast wing along the new axis, oriented toward the botanic garden, along with a formal forecourt and new outdoor sculpture court. Within, the main galleries have all been redesigned, and the third floor, the grandly scaled main floor in the original McKim, Mead & White design, is once again given proper prominence thanks to the reconstruction of the entry stair from Eastern Parkway.

It is too early to tell from these initial plans how successful the new and renovated galleries will be for the display of art - although if the Museum of Contemporary Art tells us anything, it is that we can expect a situation in which architecture exists not to overwhelm art, but to engage it in a certain way. But it is not too soon to hail the Isozaki and Polshek design for engaging the Beaux-Arts classicism of the original building in a lively dialogue - the themes set forth by McKim, Mead & White are continued in this new building, not in the simplistic manner of literal reproduction but in the subtle and challenging manner of profound dialogue between the generations. The real goal here has been to create a graceful evolution from the Beaux-Arts classicism of the front to the more complex formal order of Mr. Isozaki and Mr. Polshek's addition - to weave together Beaux-Arts classicism and Mr. Isozaki's design language.

It will be some years before the museum raises the necessary funds and commences, let alone completes, construction of this ambitious plan. But its selection marks a moment as important in the history of the Brooklyn Museum as the decision to hire McKim, Mead & White nearly a century ago - for once again, the Brooklyn Museum has set its sights high, choosing an architect who represents the best of his time. As an Isozaki building has conferred a kind of status to the Museum of Contemporary Art in Los Angeles, so it will stand as a sign that the Brooklyn Museum is committed to architecture in its most ennobling and enlightening form.


'86'D': A Series Of Friendly (But Fierce) Battles Of Local Chefs

The two apron-clad chefs entered the kitchen at West Hartford's Savoy Pizzeria to the sounds of a cheering audience and thumping hip-hop beats, primed for a gastronomic duel.

Before facing three mystery proteins and sauces that would determine their competitive dishes, the chefs were asked to present an ingredient of their choosing. Eric Stagl, in keeping with the specialty of his food truck, Yardbird & Co., held up a whole chicken with its head and feet intact.

Van Hurd of Middletown's Taino Smokehouse brandished a live lobster, which was still kicking.

"Lobster, baby!" he hollered into emcee Scott Miller's microphone, unleashing a primal scream before tearing off its tail and claws.

Stagl and Hurd were the inaugural contestants at the early February launch of "86'D: A Culinary Collision," a new series of friendly battles running through August featuring Connecticut's top chefs. The late-night throwdowns, beginning at 10 p.m., are all held at open-kitchen venues within 5 miles of Hartford.

The event series is produced by Eat IN Connecticut, a West Hartford-based marketing and public-relations firm that focuses on food, drink and lifestyle clients and Miller, chief operating officer and partner of the DORO Restaurant Group. The team joined forces in December to plan interactive events that would bring people in the restaurant industry together, Miller says.

"We've been talking about doing something like this for years," he says. "Most of the times where we get together, it's so few and far between, like big charity events where we don't get to hang out."

Secrecy is part of each event: Locations are announced on the Friday before every Monday battle, and the competing chefs are only revealed to the audience at the start of the faceoff. (Chefs are paired up after organizers randomly choose names from a hat.)

The chefs, given three mystery ingredients and the use of a kitchen pantry, must create a minimum of two dishes in 45 minutes, using all three surprise items. Three judges choose the winning chef, based on point totals for originality, flavor, plating and cleanliness of their station.

Guests watch the action and root for their favorite contestant while enjoying snacks provided by the host venue and draft beer, courtesy of a beer sponsor. Each chef brings along a bartender to shake up a specialty cocktail for the crowd, and audience members are encouraged to vote for their favorite drink at the end of the night. (The winning mixologist gets a trophy, as does the winning chef.)

The organizers settled on "86'D" as a nod to kitchen jargon, a term used when a menu item has run out, to denote the cutthroat nature of the competitions. The series also benefits a local charity, with a portion of proceeds from ticket sales going to End Hunger Connecticut.

Eat IN Connecticut partners Kristen Fritz and Jeannette Dardenne say they've been gratified to see the response to the series, which saw its first two events sell out. "It's just been so incredible to watch the community embrace this not just within the restaurant industry, but the public as well," Fritz said.

"They get to see something very exciting it's like 'Chopped,' live, in their face," Dardenne says. "And people are so into food. The energy in that room it gives me chills just thinking about it. It's invigorating."

Stagl, an experienced fine-dining chef who launched the Yardbird food truck with business partner Mallary Kohlmeyer last spring, won the first competition by one point. He admitted that his first battle against Hurd was "nerve-wracking as hell" but "super fun."

"I've never done a battle like that or a contest or anything like that. . Van has obviously seen the spotlight a couple of times," he says, referencing the Taino chef's experience as a contestant on Fox's "Hell's Kitchen" reality show. "It was intense, definitely."

Despite Stagl's several years at Max's Oyster Bar, he was thrown for a loop when he was given whole parrotfish as one of his secret ingredients.

"We never cooked parrotfish, ever. I don't know much about it, but I knew I wasn't going to serve it raw." He ended up searing the fish and roasting it in Savoy's pizza oven. (Hurd butter-poached that lobster as one of his four dishes.)

Craig Hutchinson emerged victorious over Savoy managing partner Dante Paul Cistulli after their March 6 matchup at Hartford Flavor Company, thanks in part to his pasta-making skill and some luck with the featured secret ingredients: Mystic Cheese's Melinda Mae, Benton's bacon and hearts of palm. The former Caseus chef and partner in [oink], a Connecticut pop-up concept, brought semolina to the battle and won over the judges with his fresh cavatelli carbonara.

"I figured it would be impressive to make pasta dough [and] hand shape it all," Hutchinson says. "Luckily, the ingredients were in my favor and allowed me to pull out one of my all-time favorite comfort dishes." He also produced a lamb tartare dish using the Melinda Mae cheese, with hearts of palm, herbs, bacon-roasted mushrooms, Bordelaise, lemon and sea salt.

"I come from restaurants where the menu is printed every day, so being creative with different ingredients used to be a challenge," he says. "Now if I don't have that format of cooking, I get bored very quickly. I've been very fortunate to be mentored by some of the best chefs in the country, and they have always pushed me to be faster, tastier and more creative than those around me."

"My goal was to have an event where chefs can be chefs and cook their food," says Miller. "This way, they can really, really put something on a plate that stands for them, and is their food, 100 percent. And they have their peers surrounding them, and it's fun, it's different."


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